En la actualidad nos encontramos con un sinfín de marcas de muebles que destacan por sus procesos, o por su diseño fuera de lo común. México se ha convertido en uno de los máximos exponentes de arte en el mundo por su propuesta contemporánea que reta los límites de la imaginación. A la lista de estos artistas se suma una nueva promesa, que, aunque seguro ya conocías su trabajo, su nombre ha destacado recientemente en el escenario internacional. Sebastián Ángeles.
Diseñador industrial egresado de la Anáhuac, con un sueño por convertirse en artista. Su afán por conocer los aspectos menos vistos del mundo y crear a través de sus visiones lo llevaron a explorar la relación entre la funcionalidad y la estética de las cosas, y cómo estas características lograban converger. A la temprana edad de 29 años, ha logrado crear un diálogo entre el objeto y el usuario como pocos artistas lo han hecho. “Frequency” ha llegado a ferias internacionales y en esta ocasión, Sebastián nos cuenta todo sobre su más reciente creación.
¿Cómo logras traducir tu inspiración de las situaciones cotidianas a un objeto que más allá de ser un objeto que se pueda usar termina siendo una pieza artística?
La inspiración siempre me viene en momentos de contemplación, reflexión y fijándome en las cosas más sencillas o simples de la vida. De repente ver la lluvia, las plantas, las flores, escuchar los sonidos de la calle me inspiran mucho. Más que encontrar la inspiración, es algo que quiero decir. Es muy importante para mí que mis objetos, mis productos y mi diálogo tengan ese sentido positivo que aporten algo al usuario.
¿Cuál es el proceso creativo detrás de Frequency?
Con Frequency me daban muchas ganas de hablar de las conexiones que nos unen que a veces no vemos. Quería encontrar algo que me ayudara a representar estas frecuencias. Investigando un poco me di cuenta de que existían frecuencias de sanación. Quería encontrar estas frecuencias de sanación y se me hizo increíble pensar en que podía crear un objeto que recordara estás frecuencias y a la vez te hicieran sentirlas como un objeto tangible.
Utilizamos visualizadores de sonido con arena y vibraciones y pusimos las frecuencias. Estas vibraciones comenzaron a crear patrones y estos padrones después me ayudaron a encontrar las formas de los muebles. Llevar esos patrones que están en dos dimensiones a algo tridimensional. El resultado al final se pudo hacer con bronce, el cual es un material que cuando recorres la superficie genera un sonido.
Platicando con un doctor de Nueva York, dijo que era una coincidencia muy bonita porque cuando tú te sientas en un metal puro, las partículas de tu cuerpo se regeneran. Al final creo que las coincidencias de mi inspiración son increíbles porque si se puede crear un objeto que esté relacionado con la sanación y además tenga esta inspiración tan arraigada y además el material haya sido un acierto, me parece que fue una pieza que hice para que durara muchos años y pudiera trascender.
¿Cómo es que esta colección logra cruzar fronteras hasta llegar a Wanted Design Manhattan?
La curadora de la feria conocía mi trabajo y colecciones pasadas y me invitó a partcipar con una colección nueva. Yo tengo una marca que se llama Dórica y la llevé a Nueva York en 2017 donde conocí a Odil. Ella siguió mi trayectoria estos años y le interesó muchísimo lo que estaba haciendo con el diseño coleccionable. No solo me ayudó a poder presentar la colección sino que también me enseñó mucho, porque es todo un reto poder llegar a otro país y todo lo que implica el trabajo que hay detrás de la logística, el envío y todo el proceso detrás es un reto enorme. Aprendí muchísimo y me gustó mucho ver la reacción de la gente que me dio muchísima confianza en poder confiar mucho más en mi trabajo y valorarlo más como veía que los demás lo hacían.
¿Consideras que hay algo que caracteriza tus colecciones?
Con tanta exploración que he tenido en objetos, he comenzado a tener un estilo de forma que la gente me lo ha dicho: “Es muy tu línea”. Eso es un trabajo de todos los días, pero creo que sobre todo es intentar crear un diálogo con el usuario. Lo que yo quiero hacer es que cuando alguien vea cualquier pieza mía, le guste por su forma porque es funcional, cómoda, bien hecha y lo va a acompañar muchos años, pero además, cuando se dé cuenta el motivo de haberla hecho lo sorprenda. Creo que esto hace que las personas atesoren los objetos y lo que hacemos. Para mí es muy importante crear objetos que la gente pueda atesorar. Creo que así es como vale la pena que las cosas duren, que la gente guarde y herede las cosas y las tenga en sus vidas por muchos años.
Creo que el hilo conductor de lo que hago, si es el diálogo con el usuario. Es el querer dar un buen mensaje. Encontrar algo que pueda hacer que las personas conecten. Por ejemplo, esta vez fueron las frecuencias, pero he trabajado acerca del tiempo o las relaciones humanas. Al final creo que el hilo conductor es poner sobre la mesa ese diálogo de algo que haga que la gente pueda reflexionar.
¿Hay algún artista o diseñador que haya influenciado tu obra? ¿O que te haya invitado a tratar estos temas?
A mí me gusta inspirarme de los artistas, no por sus obras, sino analizando cuál es la inspiración de lo que hacen. Muchas veces eso es lo que nos hace reflexionar sobre lo que también nos hace clic y encontrar algo que también puedo representar en mi propia forma.
Yo soy muy fan de Isamu Noguchi, escultor y diseñador americano, que estuvo muchos años en la escuela de lo que nos dejó Brâncuși, otro gran escultor. A mí me gusta mucho inspirarme en la escultura, pero también, si puedo hablar de diseñadores, últimamente estoy muy metido en el Art Nouveau. Justamente fue parte de la inspiración de la forma todo lo que hizo Gaudí o Héctor Guimard que son unos diseñadores que llevaron mucho este movimiento.
Me dio mucha felicidad cuando una diseñadora en Nueva York me dijo que vió mucho de Gaudí en la forma de mi silla. Al final si creo que fue algo que me inspiraba. También me inspira mucho del Art Nouveau como se toman muchas referencias de la naturaleza porque creo que es algo que se ha perdido un poco en este momento. Yo estoy intentando hacer una línea en la que no sea menos es más, sino que sea más proporción y natural. Creo que antes se inspiraban muchísimo en la naturaleza, pero creaban formas increíbles que nos hacían mucho sentido porque es lo que vemos en la tierra. Es algo que me gustaría rescatar y me gustaría seguir explorando.
